TRAJE TEATRAL, ESPACIO SIMBÓLICO

Corresponde al maquillaje y al vestuario un rol preponderante dentro de la puesta en escena.
Tanto el maquillaje como el vestuario son parte de los signos no verbales establecidos en la figura del actor.
El maquillaje y la caracterización, como apoyo fundamental para el actor en la composición de un personaje. El vestuario como uno de los elementos más expresivo y connotativo dentro del espacio escénico.
En ninguna puesta teatral debe existir el desconocimiento que ambas disciplinas encierran como materias relevantes dentro de la puesta en escena del texto espectacular.
Siendo el maquillaje y el vestuario dos disciplinas cuyos contenidos son netamente diferentes en cuanto a historia, objeto de lenguaje, aproximación a materiales etc, tienen un punto en común en cuánto ambas se aplican a los fines tanto de la teatralidad como de otros lenguajes como el cine y la televisión.
Ese punto en común no es otro que la estética elegida, ya sea para uno u otro lenguaje previsto.

Desde la antigüedad el teatro se vivió como una forma de metamorfosis de la realidad.
En la antigua Grecia se utilizaron los códigos no verbales como vestuario y maquillaje:
El vestuario debía representar la realidad tanto humana como divina, pero aún así los trajes se trabajaron desde la grandilocuencia, largas túnicas y hombros exageradamente anchos, por debajo de ellas altos coturnos, le daban al actor un aspecto de imponencia y severidad.
El maquillaje si bien no estaba concebido como hoy lo conocemos, consistía en exagerar las expresiones sobretodo de la mirada, las cejas, el rictus de la boca y labios, las caras se blanquecían un poco y se utilizaron las máscaras y medias máscaras sobre el rostro por razones de representación y de acústica: "Per sonare", es decir para sonar, o bien resonar ( término del cual más tarde deriva el concepto de "persona" utilizada por el derecho natural y escrito).
Podemos citar en Grecia grandes dramaturgos como: Esquilo, Sófocles, Eurípides, Aristófanes, Esopo.

En Roma los juegos del Circo es decir "el espectáculo" las decoraciones suntuosas, la maquinaria, la numerosa comparsa, las vedettes, y especialmente bailarines, mimos, saltibanquis, acróbatas y seres deformes atraen una multitud cosmopolita, ávida de placeres fáciles, disgregada, pues carece de una fé común.
El público no necesita la poesía trágica o cómica sino atracciones, sensacionalismo, exactamente como en nuestros modernos music-hall.
Se comprende que ni bien el cristianismo aparece en el mundo romano, los padres de la iglesia anatematicen un teatro sin grandeza y sin alma.
En ese caos, solo el espíritu cómico sobrevivió, gracias a Plauto y a Terencio a quienes tanto debe nuestra comedia clásica (famosas Atelanas que más tarde derivan en la Comedia del Arte en el siglo XVI).

Aquí las primeras manifestaciones teatrales se encuentran en la liturgia católica, la celebración de la misa tanto por parte de los sacerdotes como acólitos, utiliza las dalmáticas en los diferentes colores que llevan implícito un código de las distintas celebraciones de la vida de Cristo: blanco y amarillo: la gloria y la paz, morado: el dolor, la pasión y muerte, el verde: la resurrección y la vida.
Podemos decir que en el siglo XII las Didascalia del director contenía múltiples indicaciones en cuanto a lugar escénico, detalles de vestuario, detalles de escenografía, muchas de ellas aún válida a nuestros días.

Esta época se prolonga hasta el reinado de Jacobo I y Carlos I.
Fue la época gloriosa de William Shakespeare, sus dramas y comedias.
En todas las obras de este autor se dan detalles sobre los acondicionamiento del traje, cómo debe ser usado, cómo debe lucir, cómo deben verse los detalles, el maquillaje también se debe tener en cuenta tanto en las representaciones de los personajes como el travestismo de los personajes masculinos que representaban a los femeninos.
Podemos decir que Shakespeare fue también un gran escenógrafo pues daba gran importancia a los detalles de la escena, como así también al significado de los colores, telas, telones, etc., utilizadas para sus obras, aportando al teatro todo un lenguaje de signos que hasta el día de hoy seguimos utilizando.

Este período se extiende desde el último cuarto del siglo XVI hasta aproximadamente 1680.
En él predominan nombres como Cervantes, Calderón, Lope de Vega, Tirso de Molina.
Fue la época de los Bululúes, actores ambulantes que realizaban representaciones en las puertas de las iglesia y recibían "especies" a cambio, pan y vino.
Más tarde éste se convierte en elenco de siete hombres dos mujeres y un adolescente. En el siglo XVII, aparece la compañía que cuenta con 16 actores y 14 comparsa.
Aquí la escenografía era mínima, algún que otro telón pintado y el vestuario tenía visos netamente realistas, y los maquillajes eran expresivos y teatrales.

En esto Europa debe a los Italianos la mayor parte de principios y sistemas de arquitectura en la construcción de decorados, que aún hoy determinan la representación teatral y la concepción escenográfica.
Serlio, Sabattini, Palladio, Telli y Chiaramonti fueron los que crearon el telón de boca, los decorados, bastidores, bambalinas, etc.
Se creó la maquinaria: poleas, trampas, cuerdas. etc.
Se multiplican los vuelos y las glorias y los cambios, a veces, se hacen a la vista.
Se pone de moda la tronpe d´ l ´oeil ( crear una verdadera ilusión en los decorados )
El vestuario se convierte en la vedette de las tablas, coloridos, rayados, sedas, terciopelos, etc, el maquillaje es exagerado y teatral, se utiliza un sin fin de máscaras llenas de colorido y significados.
Podemos decir que la Comedia del Arte fue el origen de la creación colectiva.
Por otro lado no podemos dejar de mencionar el teatro realista de Jacques Copeau, el teatro verista de Emile Zola, el teatro expresionista de Paul Claudel, el teatro social de Fermín Gemier, etc.
Todos ellos fueron enriqueciendo con sus códigos expresivos el maravilloso y mítico mundo del espacio escénico.-